fútbol

(pasto, pelota, cal, penal, arco, área chica, pelota en la red, gol, emoción, gloria, fanatismo)

próximamente, futbol installation.
Para más información, clickee aquí.

Fragmentos / Diario de vida

Fragmentos.
Ejercicio realizado para Taller Artdirection. Consta de un diario de vida de 2 semanas, realizado con pedazos de papeles cotidianos recolectados durante las 2 semanas y fotos en formato macro a fragmentos de mi piel. Sin duda un "pedacito" de mi, en él. Completamente cocido a mano.

Mesa de luz

Mesa lúdica, que representa una vuelta a lo básico, en cuanto a las formas geométricas simples, y los colores primarios y secundarios. Transparencia, elementos dentro de un código geométrico de rectas. Tensión a traves de contrastes cromáticos.

- Iluminada solo con 3 tubos de neon blancos,
- Sobre ella 12 cuadrados de acrílico de colores, de apróximadamente 4 milimetros de grosor.
- 40 minutos de fotografías, 324 fotos.
- Realizado junto a mat. y Carla, como propuesta para el taller artdirection.

--> vea más fotos aquí.

Algo más sobre los objetos..

Cuando hablamos de objeto, podemos comprender que es algo limitado, respecto del ambiente que lo rodea. El objeto tiene un origen, dimensiones y un límite definido por su relación con los demás objetos que lo rodean. En cuanto a su orígen, llamamos objeto principalmente a aquellos que han sido realizados por el hombre (existiendo también otros que no, por lo cual concebimos a una piedra como un objeto) y lo dimensionamos según la escala de lo humano, teniendo así que los objetos pequeños serán aquellos que puedo sostener o guardar en una sola mano, en un bolsillo, luego en 2 manos o en una mochila.

En cuanto al objeto limitado, también es posible que éste expanda sus límites al momento de configurarse con otros objetos similares o que posean un código común, y que se encuentren en el mismo ambiente o medio. Es cuando nace la decoración o el diseño de interiores. En estas disciplinas, si bien sabemos que una linda silla continuará siendo un objeto, ya no la percibimos de la misma manera al encontrarse arrimada a una linda mesa. Es aquí cuando pasamos a entender lo que vemos como un conjunto de objetos, como un ambiente o un interior determinado. Dicho sea de paso, que esa misma silla, en otro lugar, arrimada a otra linda mesa, pasará a generar otro ambiente, una atmósfera distinta.

Es así, como el hombre construye su vida mediante estos objetos, ellos son la configuración de su personalidad y de cierta manera, delatan su forma de ser ante quienes pueden interactuar con los objetos propios de la otra persona. En nuestros días es imposible entender una vida sin estos objetos, en ellos se resguarda el ser humano y mediante ellos se da a conocer a sus pares: pasan a formar parte importante en las relaciones humanas

Scion Deviants

Uno de los ultimos trabajos de Jose Gomez y Andree Stringer, los chicos siempre creativos de Shilo Design.

Art Direction Parque de las Esculturas

Inmerso en plena ciudad, el Parque de las Esculturas, reaparece interesante. Este lugar, consta de una dirección de arte particular que es mezcla de escultura, paisajismo y escenografía. A su alrededor y como ambientando a quien se aproxima, algunas esculturas situadas en plena calle, desconciertan al caminante, introduciéndolo en una atmósfera de arte y, por sobretodo, contemplación. Una vez dentro de sus límites, hasta el más casual de los espectadores se siente presente en una actitud de calma, admiración y apreciación artística.

En un análisis más exhaustivo, se puede apreciar claramente que existe una intención en su diseño: el parque busca romper con su entorno. A su vez busca recrear la vista, siendo un sector de pasto verdísimo, perfectamente mantenido, en medio de un paisaje extremadamente citadino de edificios altos y oficinas con muro cortina que permite reflejar el verdor de su superficie.

Irrumpiendo en esta naturaleza de verde y árboles, aparece el sendero de maicillo que guía al visitante en un recorrido difícilmente azaroso: las esculturas presentes, ya no tan nuevas, llevan a través de dicho sendero a apreciar, en el centro del parque, la más reciente escultura, una "Oda al Viento" traída de España, que conmemora la creación del lugar.

Además, la reja que delimita al parque, se encuentra construída y diseñada de forma que su disposición, aisla el paso directo de los ruidos del exterior (a pesar de ser un lugar abierto). Esto fue pensado para reforzar el concepto del rompimiento con el entorno, de manera que al caminar por el lugar, es fácil olvidar la ubicación del parque dentro de la ciudad y su ruidoso ambiente aledaño.

Por otra parte, las esculturas han sido perfectamente escogidas. Representando todo tipo de materialidades (madera, piedra, metal, plástico, etc) la muestra es lo suficientemente heterogénea de manera de que es imposible predecir que encontrará el espectador al final del recorrido. Existe, a su vez, una gran variedad de temáticas, formas y tamaños, generando cada una, un momento distinto de contemplación.

Es un lugar digno de visitar ya sea por su belleza implícita, como también porque siempre se agradece un lugar dispuesto con estilo, intención y quiebre de lo reconocido.

Pico pal' que lee

Maldigo es una publicación que consta de descargos y maldiciones tomados de diferentes personas y llevados a un discurso único. Basada en el claro referente "Maldigo del Alto Cielo", canción de Violeta Parra y en el famoso monólogo de Monty Brogan (Edward Norton), en la película La Hora 25, esta publicación es el resultado de una mezcla de resentimientos, racismo, homofobia, sentido común, entre otros temas que pueden ser encontrados en sus páginas.

Trabajo realizado junto a Matías Aros, Carla Pinochet y Aracelli Salinas, para el Taller Art Direction.

Vea el sitio de Maldigo aquí.

make.up

Make.up es un trabajo que realicé, junto a Matías Aros. Consistió en una sesión fotográfica basada en el concepto de embellecerse, en la vanidad, la femeneidad y el maquillarse, representados por una mujer que pasa del natural a lo artificial, maquillándose frente a un espejo, que en este caso es la cámara fotográfica. El formato de presentación fue el de los photobooth, con 96 pequeñas fotografías que retrataban paso a paso el proceso de producción.

Modelo: Camila Fuentes
Maquillaje: Valentina Rojas
Fotografías: Ingrid Calvo y Matías Aros

Fotos digitales tomadas con luz día incidente, luz halógena ambiental y luz natural ambiental.

Para ver más, entre aquí.

La "cercana" relación entre Speer y Hitler

Albert Speer fue un arquitecto y político alemán, uno de las más destacadas figuras de la Alemania nazi. Fue el arquitecto preferido, Ministro de Armamentos y Guerra y más tarde Ministro de Transportes, de Adolf Hitler durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1934, eligieron a Speer como arquitecto jefe del Partido Nazi. En ese entonces, Hitler, un artista frustrado y gran amante de la arquitectura, necesitaba, como le comentó años más tarde a Speer, "un arquitecto al que algún día pudiera confiar mis planes constructivos. Tenía que ser joven, pues, como usted sabe, son planes a muy largo plazo. Necesitaba a un hombre que incluso después de mi muerte pudiera seguir trabajando con la autoridad que yo le hubiera otorgado." Hitler quería devolverle la grandeza a Alemania y para esto deseaba edificios que perduraran mil años, como creía que iba a durar el Tercer Reich. Speer era la persona adecuada para tal empresa.

Tras sus agotadoras jornadas de trabajo, el mayor placer de Hitler, era reunirse con su arquitecto para repasar las maquetas de los nuevos edificios, estudiar juntos detalles, planear futuras construcciones

La estrecha relación de Speer con Hitler ha llevado a algunos biógrafos a plantear un cierto grado de homosexualidad encubierta de Hitler. Psicoanalistas que estudiaron esta relación han planteado que entre ambos se estableció una relación homo-erótica, en que Hitler se veía representado en las cualidades personales de Speer y viceversa. Es muy probable que Hitler viera reflejado en Speer al artista frustrado de juventud que vivía en él.

La verdad es que Hitler le tenía especiales consideraciones que no tenía otro cercano a él, las opiniones de Speer era siempre para Hitler de su más alta consideración y Speer era siempre el elemento principal en su círculo de confianza. La relación de Speer en el vínculo con Hitler llegó al extremo de negarse a ejecutar, la orden de "tierra quemada", emanada de este. Cualquier otro que hubiera actuado así, sin duda habría sido fusilado.

En Abril de 1945, cuando Speer visita a Hitler en su bunker, luego de conversar 1 hora, le realizó algunas confesiones de desacato y manifestó que se iba de Berlín. Hitler fríamente le dejó marchar con las palabras: «¿Así que se marcha?... bien... [...] ¡Adiós!». De este modo, con una frialdad que no reflejaba el tipo de relación mantenida, terminó la relación entre Hitler y Speer.

De la escenografía...

Se entiende por escenografía, todos los elementos visuales que conforman una escenificación, ya sean corpóreos (decorado, accesorios), iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); y para la representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.

Este elemento es incorporado a las representaciones a partir de la antigua Grecia, donde era muy importante en las narraciones de tragedias y las historias de los dioses, ya que hasta entonces el espectador solo debía mirar y escuchar imaginándose todo el contexto en el que ocurrían los hechos contados. La escenografía aportó un lugar, colores y un determinado ámbito geográfico a las narraciones, destacándose entonces por ser extremadamente complejas y lo más cercanas posible a los contextos reales donde acontecían los hechos.

Ya después, en el Renacimiento, cuando aparece el teatro como lugar cerrado de representaciones dramáticas, la decoración debía estar dispuesta según los cánones estéticos de la época, dando paso a esculturas, columnas y cornisas que se configuraban según las distintas obras exhibidas. En un principio, los edificios representados, por ejemplo, aparecían solo en su fachada de manera frontal, enfrentados al público. Pero luego, se fueron mejorando las técnicas escénicas permitiendo la aparición de diversas vistas y perspectivas, diferentes ángulos. Para esto, el escenógrafo debía definir y diseñar todos los elementos visuales de una escenificación. Uno de los escenógrafos más reconocidos del Renacimiento es Jerónimo Servandoni, quien montó grandiosos espectáculos de opera.

Posteriormente, en la época contemporánea y hacia nuestros días, otros elementos como la iluminación y los accesorios simples y complejos, van tomando más protagonismo, dejando un poco de lado los grandes decorados y las escenografías muy icónicas. Luego de la invención de la electricidad, los especialistas teatrales comprenden que existe ahora una luz que puede resaltar el color, generar y proyectar sombras, crear atmósferas desconocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena. Es también muy importante el teatro ruso en el perfeccionamiento de las técnicas escénicas. Otro importante artista, que realizó montaje escénico fue Pablo Picasso, para el Ballet de Manuel de Falla.

Actualmente, la escenografía es imprescindible a la hora de montar un espectáculo, ambientar una película, trabajar en dirección de arte o simplemente generar un instante especial determinado. El ser humano precisa de elementos que le hagan sentir parte de un lugar, que le hagan sentir cómodo o seguro en ciertos espacios. Es por esto que la escenografía debe ser considerada como un elemento crucial en un montaje o instalación artística, pues tiene la capacidad de generar un mundo para los personajes o contextualizar un hecho o acontecimiento, y en ocasiones, hacer inolvidable la obra para el espectador.

Doña Gertrudis y la oficina

Así... trabajandito, estaré próximamente, muy próximamente..
Haciendo cosas lindas y en serio con mi compañero y amigo el señor Matías Aros, con oficina, cafecito a media tarde, buena música y buen humor...
Se viene, se viene!

(tapa) para todos...

(tapa) es un libro que realicé en conjunto con Matías Aros, Constanza Aravena y Daniela Rodríguez, en respuesta al último encargo del Taller Pensamiento Visual, a cargo del profesor Juan Guillermo Tejeda y su equipo de ayudantes, de la Universidad de Chile.

El libro contempla un resumen de los trabajos realizados por sus autores, para el Taller PV, en el primer semestre del año 2007, a la vez que lleva a lo largo de sus más de 160 páginas un relato de infografías o diseño de información descontextualizado, que van apoyando a los textos y entregas evaluados en el taller.

El resultado de la evaluación de (tapa) fue arrasante. Calificación máxima en el sistema académico chileno, destacándose por sobre los demás, como el mejor evaluado del taller. La primera edición constó de 12 ejemplares que fueron agotados de manera casi inmediata. Por esto, y debido a la petición de nuestro público, los autores hemos decidido relanzar una versión mejorada del libro, a principios del próximo mes, si es que los propios recursos así lo permiten. Pronto estaré dando noticias sobre la próxima edición!

Su tamaño es A5, las tipografías usadas en él corresponden a Clarendon y Univers LT 45, el papel es Premium de 90 gms. apto para impresión de doble cara. El libro fue impreso en Grafika, en su local de la Fac. de Economía y Negocios de la U de Chile.

Podrás encontrar más fotografías sobre el libro, visitando mi flickr

Memento on type destacado en digilicious.cl

En el blog de diseño digilicious, a cargo de diseñadores gráficos de la Chile, se publicó un post, llamado Motion Typographics el día 1 de Junio, donde para mi sorpresa, aparece entre una lista de buenísimos proyectos de animación tipográfica seleccionados, mi proyecto Memento on type, que realicé hace algunas semanas para el Seminario de Gráfica Computacional 1 del profesor Juan Calderón, en la Universidad de Chile.
Con audios originales de la película Memento y mi interpretación gráfica, fue grato encontrarme de pronto, con esta mención.

Relato sobre la memoria y el olvido, Rompecabezas

La manera en que recordamos es curiosa: a veces es tan facil acordarnos de algo que pasó hace mucho tiempo, pero no recordamos lo que nos acaban de decir. La memoria, es una capacidad casi ilimitada que tiene el cerebro humano. Inspirada en la fragilidad de mi memoria, realicé este Rompecabezas Relato (imagenes de arriba), como encargo para el Taller PV.

El rompecabezas, representa la manera en que recordamos: juntando piezas o pedacitos de recuerdo para armar finalmente las imágenes tan personales, que sólo se encuentran en nuestra memoria.

En él, también aparecen unas piezas perdidas, puesto que existen una serie de detalles, que a medida que envejecemos, se van borrando inevitablemente, haciendo los recuerdos, cada vez, un poco más difusos.

Pero también aparece representado el recuerdo mediante las sensaciones: algunas veces sólo recordamos las situaciones debido a sensaciones, olores o sabores que practicamente nos hacen viajar al momento exacto en que los percibimos anteriormente. Es por esto, que la imagen, muestra a 2 personas tomando café, en una escena antigua, y la frase al pie habla sólo del café; pero el todo, genera una complicidad con el expectador, que ahora es parte también de este recuerdo.

Las increíbles Zapatillas Brinco!

La diseñadora argentina Judi Werthein desarrolló un proyecto que ayuda a los migrantes ilegales mexicanos a cruzar la frontera con Estados Unidos, que consiste en unas "zapatillas deportivas de cruce" llamadas Brinco (Brinco Sneakers en inglés) que son una verdadera herramienta para infiltrarse en el país del norte.

El proyecto nació porque los organizadores de inSite, una exhibición de arte trans-fronterizo, le pidieron a la artista que llevara a cabo un diseño que "interviniera" en algún aspecto de la vida en la frontera.

El diseño de dichas zapatillas, está inspirado en la información y materiales que se requieren y pueden otorgar ayuda a la hora de cruzar la frontera: contiene mapas de las rutas más usadas para llegar y traspasar el límite que es fácilmente desprendible de la suela y por la cara interna de la lengüeta; una brújula-linterna que viene adherida a la lengüeta por debajo de los cordones; 10 dólares en un bolsillo frontal útiles para llamar a la familia apenas el usuario se encuentre a salvo en E.E.U.U. También contiene analgésicos con Tylenol, porque "mucha gente resulta herida durante el brinco", dice Werthein. Llevan en el talón un águila azteca bordada, y sobre los dedos un águila estadounidense, como la que aparece en las monedas de un cuarto de dólar, que representa "el sueño americano" que persiguen los migrantes.

Estas zapatillas son completamente exclusivas y de edición limitada (unos 200 pares), debido al riesgo que implica el acto ilegal de traspasar la frontera, pero están perfectamente camufladas como unas zapatillas normales, de diseño propiamente mexicano pero de realización en China, lo que les otorga un precio muy barato: 21 dólares, equivalentes a unos $10500 chilenos aproximadamente, y la tienda se encuentra sólo a unos 24 kilómetros de Tijuana. Pero también es sabido que Werthein, su creadora, solía regalar algunos pares de este producto a quienes se veían con más necesidad de pasar a Estados Unidos.

Relato sobre la complejidad de las relaciones humanas...

Como encargo para el Taller Pensamiento Visual, y junto a Dani y Coni, realicé este ejercicio correspondiente a un Relato sobre la complejidad de las relaciones humanas, que llevó por nombre "Todos tienen que ver con todo", y se basaba en una infografía, la cual ilustraba una serie de relaciones de diferente tipo entre varias personas.

Este ejercicio, nace como propuesta al encargo del taller, de realizar un relato de libre temática, tratamiento, sustrato y formato. Para llevarlo a cabo, tomamos como tema las relaciones humanas y quisimos demostrar lo trascendentes, y a la vez casuales, que pueden ser los vínculos entre las personas; como éstas pueden relacionarse en múltiples oportunidades entre si, y como las cosas se van mezclando a medida que se van compartiendo visiones, gustos u opiniones.

El proceso de desarrollo de la entrega, consistió en una serie de etapas: reconocer y proponer una solución al problema, obtener las fotografías de las 47 personas que se relacionarían en la infografía, crear los vínculos correspondientes: 3 o 4 por fotografía, crear una solución tipográfica para los nexos entre los individuos, impresión del material; y la etapa que resultó más extensa y exhaustiva: el trazado y montaje en la pared de las piezas gráficas. (donde sufrimos una especie de atentado terrorista, pero eso es otro tema...)

La entrega fue el día Viernes 11 de mayo en la mañana, donde se apreció el gran oficio y la complejidad del trabajo presente en nuestra infografía. Arriba se pueden ver algúnas fotografías del proceso de desarrollo de nuestro trabajo, así como sus terminaciones y su exposición al público en una sala de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile, donde actualmente estudio.

De verdad nos divertimos bastante haciendo esta entrega: hubo llantos, sonrisas presentes en todo el proceso, y café con leche y galletas a las 3 de la mañana, pero lo más importante fue que aprendimos el verdadero significado de la famosa frase: "Lo que no te mata, te hace más fuerte".

Lewis Trondheim

Lewis Trondheim es un francés, dibujante de caricaturas, extremadamente prolífico. En 1990 fundó la editorial independiente L'Association y se ha hecho famoso por sus variados trabajos, que van desde dibujos para publicaciones periódicas, pasando por libros de comics y sus más recientes logros, la animación de 2 de sus caricaturas más famosas: La Moucha, Fly Tales, la cual es exhibida esporádicamente en Cartoon Network y Kaput and Zösky.

Aquí dejo un video de La Moucha, caricatura que me gusta mucho:


También puedes visitar la página de este artista clickeando aquí y ver más videos de La Moucha aquí

Rugendas, retratista por excelencia

"La llegada del presidente Prieto a la pampilla"

"El huaso y la lavandera"


Desde hace algunas semanas y hasta el 27 de Mayo, se está presentando en el ala sur del MNBA, la exposición Rugendas y Chile, que reúne alrededor de 120 obras del reconocido pintor alemán Juan Mauricio Rugendas, la cual tuve la oportunidad de visitar.

Las obras de Rugendas son un testimonio de los viajes realizados por su autor, los cuales comprenden México, Brasil, Argentina y de manera realmente importante, gran parte de Chile. Éstas incluyen óleos y dibujos proyectuales que retratan las sociedades latinoamericanas costumbristas del siglo XIX.

El retrato está definido como una pintura, fotografía u otra representación artística de una persona, lugar o situación, y surgió como tendencia con el auge de las esculturas romanas, en las que los retratados demandaban obras realistas, incluso si éstas no les favorecían. Luego, con la llegada de la fotografía, el "retratar todo lo que nos rodea" se masificó rápidamente.

Un retrato generalmente otorga una visión profunda y ofrece una análisis que excede lo superficial, y es por esto que podemos definir a Rugendas como un retratista, pues sus trabajos son verdaderos testimonios gráficos de la historia latinoamericana de su época, denotando una gran belleza natural de los paisajes, la vida tan distinta pero inevitablemente contemporánea de criollos, mulatos e indios, las primeras urbes, las vestimentas e indumentarias, fiestas y manifestaciones, como también algunos hechos de profunda trascendencia histórica.

Su obra, es un documento histórico de gran relevancia para Latinoamérica y sobretodo para nuestro país. Sus dibujos y pinturas, nos dan una idea clara y nos acercan en gran medida a las realidades de la época. En cada uno de ellos, el pintor, intentaba plasmar a los diferentes personajes que le llamaban la atención. Es por esto, que tomando como ejemplo la obra "La llegada del presidente Prieto a la pampilla" (en la imagen de arriba), podemos ver desde campesinos tendidos en el pasto, hasta representantes de las altas sociedades en sus briosos corceles blancos, compartiendo en una escena histórica, momento y geografía muy explícitos; como es el caso de las montañas, accidente geográfico que nos delimita un paisaje del área central o metropolitana del país, que fue un elemento que encantaba al pintor alemán y muy recurrente en sus obras.

También podemos apreciar a lo largo de sus pinturas, los diferentes trajes que definían a las clases sociales de la época, como en el caso de la obra "El huaso y la lavandera" (también en arriba), donde se representa la primera o más verídica vestimenta del popular personaje chileno que es el huaso, muy diferenciada de la actual idea de vestimenta que conocemos, entre muchas otras cosas de gran interés.

La exposición es muy recomendable: un importante referente gráfico digno de conocer y para no dejar de apreciar.

Safari Tipográfico

Así se llamó a este ejercicio que realicé hace ya algunas semanas por encargo del taller pv. Consistía en salir a las calles, a hacer un "catastro" sobre las distintas tipografías que se pueden encontrar fácilmente en vitrinas de tiendas, restaurants, murallas, rayados callejeros, entre otros.

Por mi parte, me dediqué a fotografiar sólo letras hechas a mano, las cuales suelen tener la marca de clase de quién las dibuja. Éstas fueron encontradas en el sector de las calles San Diego y 10 de Julio, en la comuna de Santiago. Arriba se puede ver el resultado general y con detalle.

Portada Chúcara

Chúcara es una tipografía que me gusta mucho. Fue realizada por Juan Pablo de Gregorio, para su proyecto de título en el año 2004. Su blog letritas, es material obligatorio para quién gusta de la tipografía. Además existe una versión en pdf de su tesis sobre chúcara que se puede descargar desde aquí.

Por mi parte, desarrollé la portada de mi cuaderno de bitácora personal, en su versión original escrita a mano, como auto-encargo; intentando humildemente jugar y experimentar con esta fuente mediante tinta negra sobre cartón piedra. Este ejercicio me sirvió para conocer de forma más cercana esta fuente (de la cual usé sólo su versión itálica) y para entrenar el ojo y la mano, pues están hechas a mano alzada, sin ningún instrumento de dibujo y con sus proporciones hechas "al ojo". Además de "vestir" el cuaderno.

Por ser uno de mis primeros ejercicios de este tipo y considerándome un poco nula para dibujar, quedé bastante contenta con el resultado, que puede se apreciar en las imágenes de arriba.

Si además desea conocer la versión online de mi cuaderno de bitácora, puede visitarla aquí.

Portada ficticia de diario La Nación, 1977.

Encargo para Taller PV, portada ficticia de diario tomada de la estética que tenía el diario La Nación, en el año 1977. La noticia es ficticia, basada en una noticia de la época: en ese entonces, 500 mil personas en el metro, producían primeras planas! :P

Tiempo al tiempo y al Transantiago

Si bien, no pretendo defender un sistema del que a ratos parecemos más victimas que usuarios, tampoco es mi intención echarle “más leña al fuego” en lo relativo a una de las más grandes, (si es que no la más grande) reformas del sistema de transporte público, realizadas en nuestro país.

En estos días de bombardeo noticiero con respecto a Transantiago, no he dejado de escuchar comentarios como: “deberíamos volver a las micros amarillas”, “hay que reestablecer el antiguo sistema”. Creo que algunos deben haber olvidado que la realidad del antiguo sistema de transporte público no era ninguna maravilla tampoco: cuando se instauró en el año 1990, el plan también enfrentó una serie de problemas: se mantuvieron los niveles de contaminación anteriores (atmosférica y acústica) y de congestión en las principales arterias de la ciudad, puesto que cerca del 80% de los recorridos pasaban por seis ejes viales, mientras los tiempos de viaje no disminuyeron como era esperado.

En una encuesta de 2002, el transporte público tuvo una calificación de 11,2 puntos en una escala de 1 a 100. Todo esto según informes del gobierno de la época, aparecidos en ese entonces en el diario La Nación. ¿Y entonces? El problema, ni solucionado antes, ni solucionado ahora, todavía.

Otra cosa es el mapa. Digan lo que digan, el famoso y renombrado mapa de Transantiago funciona. Partiendo porque, en la Antigua Grecia, se señala que “mediante la demanda de la mente se instalaban en el cerebro pequeñas representaciones simplificadas de los objetos del mundo”, me cuesta imaginar una mejor o más simplificada solución a esa necesidad de diseño.

Creo que este medio de información cumple con lo que Abraham Moles llama los “recuerdos visuales”. Nuestro cerebro opera una identificación de esas partes, o de algunas de ellas, con lo que proporciona la imagen de la “realidad visual”. Se retiene siempre una pequeña parte de la forma inicial; por su parte Joan Costa expresa que: “el lenguaje de los grafos y los esquemas tiene una cualidad didáctica específica: la de hacer las cosas imaginables y comprensibles” y siendo Santiago, una ciudad reconocida por los que son sus verdaderos usuarios de transporte público, en mi parecer, no era necesario acentuar más aún sus hitos, o sus recuerdos visuales. Es un mapa de transporte, no es un mapa geográfico ni turístico.

Sigo citando a Abraham Moles, quien dice que "los criterios de apreciación de grafismo didáctico para los usuarios son 3: por una parte la capacidad de atención disponible, la duración de la transferencia del mensaje y el nivel cultural de base". En lo personal, me bastó con sentarme una tarde a ponerle atención, y ganas de entender. Creo que mucha de la gente descontenta con el sistema, ha partido incluso por no hacerse el ánimo de tratar de leer el mapa, y peca de desinformación, alimentando el clima de pesimismo con respecto a un sistema que no debemos olvidar, no lleva más de 2 meses funcionando.

Pero tampoco se puede ser ciego: Hay gente que está sufriendo. Todos los actores deberían de ser respetuosos con eso. No es sólo un tema de frecuencias, o la cantidad de trenes y buses. Existen graves problemas de “cobertura”. Mucha gente debe caminar muchas y muchas calles para llegar a su domicilio o trabajo. Y sus obligaciones no les permiten estar haciendo varias combinaciones y siendo más claros aún, a nadie le gusta levantarse más temprano.

Pero como todo cambio, cuesta. Y cuesta más aún si nadie pone de su parte. Puede ser que en un futuro no muy lejano, no terminemos aceptando sino adaptándonos al sistema. Pero hasta entonces tratar de mirar lo positivo del cuento, no está nada de mal: caminar es más sano, poder conversar al pasear por la Alameda es muy agradable y si Ud. se siente solo, quizá entre apretujones, podrá conocer nuevos amigos en el metro.

Kinder

kinder.ttf
Tipografía de 42 pictogramas (dingbats) basada en una recolección de dibujos hechos por niños pequeños, como encargo para el taller PV.
Ud. puede descargarla gratuitamente pinchando aquí

PENSAR CON IMÁGENES, PINTAR CON PALABRAS

En el año 600 d. C. San Gregorio escribe: “La escritura es para los que saben leer lo que la pintura es para los que sólo pueden ver”, y los sabios y viejos abades y obispos se dieron cuenta rápidamente de que las doctrinas de la Iglesia podían ser enseñadas a través del ojo y los oídos, al igual que mediante la palabra hablada.

Desde el principio de los tiempos, la pintura y la escritura han estado íntimamente ligadas. Ya en la antigüedad, los egipcios utilizaban un sistema de símbolos, reconocido por todos, que son los Jeroglíficos. Éstos eran la representación de aquellos temas de la vida diaria de los habitantes de Egipto y su única forma de contar historias gráficas era plasmando en las paredes los dibujos que uno tras otro, representaban palabras y frases que son la base de la historia de ese pueblo.

Con el paso del tiempo, y con la invención de la escritura en base a letras, ambas artes, pintura y literatura, tienden a separarse en lo que respecta a lo práctico de su técnica. Si bien, la pintura busca en sus orígenes representar lo existente según la capacidad de cada artista; por su parte la escritura, que estaba ligada a sabios y filósofos, nació como una forma de contar la historia de una manera más masiva y más conservable en el tiempo.

Pero pensar ambas artes como independientes una de la otra, es casi imposible. Cada pintura se puede leer de cierta forma y cada texto es posible concebirlo en la mente con imágenes. En su Lógica, Aristóteles dijo que “las palabras habladas son los símbolos de
la experiencia mental y las palabras escritas son los símbolos de las palabras habladas”. Según Tai Tung, “los chinos definían la escritura como el habla pintada”. Algo semejante dice Voltaire: “La escritura es la pintura de la voz; cuanto más se le parece, mejor es”.

El reconocido pintor bogotano, Luis Caballero, define dos tipos de pintores: “Por un lado están quienes quieren decir algo y utilizan la pintura como lenguaje, y por otro los que pintan inconscientemente. Existen muy pocos casos de pintores que hayan empezado así; es un poco el caso de los surrealistas, que son intelectuales que quieren decir algo y emplean el lenguaje de la pintura como hubieran podido utilizar el de la literatura, el de la música o el del cine, es decir, gente con una idea en la cabeza, y que utiliza el lenguaje que tiene al lado para expresarla”

Asimismo, la filósofa española y teórica del arte, Charo Crego señala que “en el siglo XX, las vanguardias, incidieron en la necesidad de romper las fronteras que separan las artes (pintura, escultura, arquitectura, música o literatura) o los distintos medios y disciplinas, y en abordar el mundo desde una multiplicidad de puntos de vista”. Entonces la tendencia de la pintura hacia la escritura se vuelve evidente, en la mayoría de las obras gráficas, nos da la impresión de que son textos legibles. Cuando uno mira pinturas, es casi instintivo, tratar de comenzar a leerlas. “Pero, -continúa Crego- lo curioso es que, también en el siglo xx, la escritura se encamina a su vez hacia la pintura, como se puede apreciar en la atención que se empieza a prestar en aquellos momentos a la tipografía y a la disposición de la página”.

En resumen, es evidente que existe una relación intrínseca entre ambas artes, aunque esta se ha ido modificando con el paso de los años. Han ido ligadas en el tiempo, como parte fundamental del desarrollo del hombre, denotando cada época, cada período de la vida de éste. Pintura y escritura como características de un ser humano que piensa, siente, vive, hace historia y sueña.

SILUETAS

Selección de fotos, trabajo de fotografías de siluetas.

EL INSTANTE EN LA ANTIGUA GRECIA

… y Parrasio le gritó:
- ¡Tus gemidos todavía no son los de un hombre perseguido por la ira de Júpiter!
El viejo empezó a morir. Con voz débil, el viejo de Olinto le dice al pintor de Atenas:
- Parrasio, me muero.
- Quédate así
Toda pintura es ese instante.” [1]

Por definición, el instante es una brevísima porción de tiempo; un hecho aislado de su pasado y su presente, que ocurre de un momento a otro. Pero en la antigua Grecia, el instante que intentaba capturar principalmente la pintura, así también como la escultura, guardaba una estrecha relación con la historia de la cual, ese momento era extraído.

Como explica el psicoanalista argentino, Daniel Ripesi, en uno de sus Ensayos sobre Movimiento,…“En la pintura Griega, el instante no es una ruptura del tiempo, tampoco un eslabón más en el curso de una narración. Es la captura de ese momento casi inasible de lo que podríamos llamar lo inminente”… Arístipo, filósofo discípulo de Sócrates, postulaba su teoría de que “el tiempo está constituido por instantes, cada uno distinto del otro, y tampoco el hombre es siempre el mismo hombre en el curso de la vida. Vivir, pues, quiere decir atrapar el instante justo, con la justa disposición de espíritu”, lo que nos da un indicio de que éste pensamiento traspasaba las barreras del arte y se convertía en una filosofía de vida del pueblo griego.

Los asuntos representados en las pinturas de esta civilización, a juzgar por lo observado en vasijas y murales, fueron escenas de la vida humana y tradiciones, leyendas mitológicas y heroicas. Al pintar los instantes precisos de los hechos representados, éstos condensan su antes y después, pero sin develarlos del todo. En las obras de la época es posible conocer el movimiento de algo que ya comenzó y se dirige a un fin inevitable.

Por otra parte, al pintar el instante preciso en que ocurría un hecho importante, los artistas griegos se esmeraban en lograr reproducir de manera fidedigna las expresiones, las miradas, las actitudes y sentimientos de los actores y protagonistas de las obras. Un ejemplo de esto, es la narración citada al comienzo, donde uno de los más grandes pintores griegos, Parrasio, tortura a un esclavo con el fin de obtener la más realista expresión de dolor y desfallecimiento, para pintar su obra Prometeo y capturar ese instante único que le otorgaría un realismo extraordinario a la obra.

Sin embargo, esta tendencia de la pintura Griega, que tiene su resonancia a lo largo de los tiempos y periodos artísticos que le siguen, ha ido variando. Según la Historiadora de Arte, Ana Silva Figueroa-Duarte, con el resurgimiento de la pintura narrativa en el siglo XVIII, existió una gran polémica de cómo los pintores debían elegir el instante apropiado para una obra. La pintura podría mostrar momentos que incluyeran “lo que acababa de pasar e implicaba que algo estaba apunto de suceder”. Estas pinturas, no serían realmente instantes sino momentos puentes dentro de una narrativa.

A su vez, E.H. Gombrich señala que “esta cuestión del momento o punto temporal es falso, porque no hay instante en la percepción. Cada momento es informado por el anterior y anticipa al que sigue”. Recientemente una investigación ha apoyado el reclamo de Gombrich, demostrando que nuestras retinas están “mirando hacia delante”, anticipando lo que verán en seguida, entonces nunca veremos un solo momento en el tiempo.

De cualquier manera, y sea cual sea la forma en que percibimos, es inevitable reconocer el valor que tiene esta cultura y en particular, las obras pictóricas griegas. Pese a su antigüedad, genera campos de estudio que tienen una vigencia notoria. Sus “instantes” o escenas representadas, proporcionan a quien las aprecia una fiel idea de la historia de esta civilización, dejando también a la imaginación del espectador, el desarrollo de su fantástica narrativa.


[1] QUIGNARD, Pascal. “El sexo y el espanto”. Capítulo 35.